纽约现代艺术博物馆 （美国纽约的重要现代艺术馆）

简介

纽约现代艺术博物馆成立于1929年，在成立后的十年时间里，博物馆先后三次搬迁，1939年，搬迁至曼哈顿西53街，博物馆内部设立了建筑设计、绘画、电影、雕塑、以及摄影等部门。1958年，博物馆发生火灾，为修复馆藏，馆内成立了保护部门。1971年，随着新型艺术形式——视频、表演和参与式艺术的兴起，博物馆引入了新兴艺术，还为年轻的艺术家与策展人提供展示的平台。1984年，博物馆进行了大规模扩建，在建筑物中装入了电梯、坡道等便于残疾人士使用的设施。1999年，博物馆和纽约当代艺术中心（现为MoMA PS1）宣布合并。2004年，博物馆进行了扩建，馆内展览和活动空间增加了一倍。2019年，博物馆扩建了一个教育空间以及街头画廊，使其展览空间增加了30%。

纽约现代艺术博物馆展厅总面积约165000平方英尺，建筑内部共六层，其中二、四、五层为固定展区，其余为临时展区。截至2023年，馆内拥有约20万件绘画、雕塑、素描、版画、照片、建筑模型和图纸等藏品，以及200万张电影剧照。馆内还设置图书馆和档案馆，收藏了全球范围内大量的现代艺术研究材料，其中图书馆藏有书籍、期刊等32万件藏品，丰富多样的藏品使纽约现代艺术博物馆成为最全面、最能展现现代艺术的博物馆之一。1979年，奥斯卡评委会为MoMA 电影部颁发终身成就奖，表彰其对电影艺术普及所做的贡献。2022年，博物馆接待游客219万人次，参观人次较上一年增长了89%。

历史沿革

博物馆创建

1928年，莉莉‧布利斯(Lillie P. Bliss)、玛丽‧奎恩‧沙利文(Mary Quinn Sullivan)和艾比‧奥德里奇‧洛克菲勒(Abby Aldrich Rockefeller)三名女性决定建立一个主要收藏和展示当代艺术品的机构，随后，三人邀请康格·固特异 (A. Conger Goodyear) 担任首任主席。1929年，纽约现代艺术博物馆租用了纽约第五大道730号的一栋办公楼十二层的场地，博物馆正式成立了，博物馆开业后，韦尔斯利学院教授小阿尔弗雷德·H·巴尔 (Alfred H. Barr Jr.)担任首任馆长，并开始根据他的设想，建立包括建筑、工业设计、摄影、电影和戏剧以及绘画、雕塑、素描和版画在内的跨学科博物馆。

纽约现代艺术博物馆作为美国最早专门致力于现代艺术展览的机构之一，创建初期，博物馆处于相对未​​知的境遇，由于缺少资金，馆中只有由美国商人、哈佛大学福格艺术博物馆馆长保罗·J·萨克斯 (Paul J. Sachs)捐赠的8件版画和1幅素描。1930年，美国写实派画家爱德华·霍珀 (Edward Hopper) 匿名捐赠了绘画作品《铁路边的房子》(House by the Railroad )。1931年，博物馆推出首个以单一艺术家为主题的展览，展出法国艺术家亨利·马蒂斯 (Henri Matisse) 的130多件绘画、雕塑、水彩画、素描和版画作品。1932年，博物馆策划了首次建筑展“现代建筑：国际展览”，并在馆中建立了建筑部门，同年，由于博物馆参观人数日益增多，博物馆场地房东认为噪声过大，博物馆整体搬迁至曼哈顿西53街11号的一栋五层联排别墅中。1934年，博物馆收到了联合创始人莉莉‧布利斯的遗赠——150 多幅绘画、版画作品，其中包括许多后印象派作品，这些藏品成为博物馆的核心藏品。

建设与发展

1935年，博物馆成立了电影部门，并收集了全球范围内大量的影片及剧照。1939年，艾洛迪·考特 (Elodie Courter) 被任命为馆长，在其任职的八年时间里，博物馆举办的展览数量大幅增加，涉及的领域也不断增加，不仅包括绘画、雕塑和建筑，还包括工业设计、电影、艺术设计、摄影等。同年5月，博物馆从联排别墅搬迁至由美国建筑师菲利普·L·古德温（Philip L. Goodwin）和爱德华·杜雷尔·斯通（Edward Durell Stone ）合作设计的建筑中（博物馆现址），博物馆建筑采用传统美术风格，还建有雕塑花园、礼堂以及图书馆。11月，博物馆推出“毕加索作品回顾：四十年的艺术”展览，首次展出毕加索的绘画作品。1942年，阿尔弗雷德·H·巴尔出访古巴和墨西哥，购买回了195件艺术品，使博物馆的拉丁美洲藏品增加了两倍多。1951年，博物馆正式成立教育部门，开设艺术课程，并邀请安妮·阿尔伯斯（Anni Albers）、查尔斯·奥尔斯顿（Charles Alston）、贝蒂·布莱顿·泰勒（Betty Blayton Taylor）、洛里·古莱特（Lorrie Goulet）等优秀艺术家为儿童及成年人授课。同年，博物馆制定会员制度，会员可租借馆中藏品三个月，也可以租借到期后买下藏品，会员制度使馆内销售额达到50万美元。

1953年，博物馆建筑部第一任主任菲利普·约翰逊 (Philip Johnson) 对雕塑花园进行了重新设计，为纪念去世的博物馆创始人艾比·奥尔德里奇·洛克菲勒，花园也以她的名字重新命名。花园内建造了四个由大理石铺成的区域来展示雕塑，还建造了台阶、桥梁、水池，并种植了树木、花卉和灌木。1958年，维修人员在修理馆内空调时，意外引发火灾，火灾造成一人死亡，至少二十五人受伤，在工作人员的保护下，馆中展出的2000件展品大多数毫发无伤，但莫奈的《睡莲》系列版画的其中一幅被损坏，杰克逊·波洛克 (Jackson Pollock) 的油画《1948年第1号》因烟雾而遭到严重的损坏。这场火灾促使博物馆成立了专门的保护部门。1964 年，博物馆再次扩建，建设了新的东翼楼，并扩大了花园，增加了一个可容纳更多装置的高架平台，并扩建了展览区域和教室。1968年，博物馆举办了为期五周的“空间”展览，这是博物馆首次涉足装置艺术——一种将空间本身视为媒介的艺术创作方法。该展览展出了迈克尔·阿舍 (Michael Asher)、拉里·贝尔 (Larry Bell)、丹·弗拉文 (Dan Flavin)、罗伯特·莫里斯 (Robert Morris) 和弗朗兹·艾哈德·瓦尔特 (Franz Erhard Walther)五位艺术家的装置作品。

1971年，随着新型艺术形式——视频、表演和参与式艺术的兴起，博物馆引入了新兴艺术，还为年轻的艺术家与策展人提供展示的平台。1972年，博物馆推出了触摸之旅服务，工作人员带领盲人和视力不佳的游客通过触摸体验馆藏雕塑。馆内展览还附有盲文和大字体的小册子，供盲人和弱视游客使用。1979年，博物馆开设了无障碍项目，旨在让聋哑游客能够通过手语翻译参与讲座、电影放映和课程。同年，奥斯卡评委会为MoMA 电影部颁发终身成就奖，表彰其对电影艺术普及所做的贡献。1984年，博物馆由阿根廷裔美国建筑师塞萨尔·佩里 (César Pelli) 设计，进行了大规模扩建，扩建后的建筑增加了新的西翼楼、电影放映厅、餐厅和书店。此外，建筑物中还装入了电梯、坡道等便于残疾人士使用的设施。

1995年，博物馆创建了自己的官方网站，并在官网上展示了过去十年中的200多件藏品，截至1998年，该网站吸引了超过100万访问者。1999年，博物馆和纽约当代艺术中心（现为MoMA PS1）宣布合并。2002年，博物馆根据建筑师谷口吉雄 (Yoshio Taniguchi)设计，对原有建筑进行翻修，修建了一个开放的大厅，以及一个新的教育综合场地，包含剧院、教室、办公室以及图书馆和档案馆，馆内展览和活动空间增加了一倍。2006年，纽约现代艺术博物馆成立了现代女性基金会 (Modern Women’s Fund)，并于第二年资助了“女权主义的未来：视觉艺术中的理论与实践”研讨会，会议聚集了20余名艺术家、学者、评论家和策展人，共同讨论有关艺术和性别的问题。2010年，纽约当代艺术中心（PS1）更名为 MoMA PS1。2019年，博物馆与建筑师Diller Scofidio + Renfro 与 Gensler 合作设计，扩建了馆内教育空间以及街头画廊，使其展览空间增加了30%。

建筑布局

纽约现代艺术博物馆（MoMA）

建筑设计

纽约现代博物馆纽约现代艺术博物馆成立于1929年，位于美国纽约曼哈顿西53街11号。博物馆建筑最初于1939年，由美国建筑师菲利普·古德温（Philip L. Goodwin）和时任博物馆理事的爱德华·杜雷尔·斯通（Edward Durell Stone）合作设计为现代风格建筑。建筑后方的空地，被曾任博物馆建筑部馆长的约翰·麦克安德鲁（John McAndrew）和阿尔弗雷德·巴尔（Alfred Barr）设计为雕塑花园，园内种植树木并建有水池，此后，博物馆建筑先后进行了六次扩建。博物馆西侧展厅建于1951年，建筑物外部被大块玻璃立面覆盖，并被密斯式的金属隔断分割。博物馆东侧绘画的展室和摄影研究中心所在的建筑建于1964年，由菲利普·约翰逊（Philip Johnson）设计完成，建筑同样采用密斯式暗色金属分割立面，每个玻璃分割交界处采用了圆角设计。

1984年，博物馆侧身加建塔楼，建筑由西萨·佩里（Cesar Pelli）设计，采用了钢筋混凝土结构加玻璃幕墙的做法，塔楼内部低区用于新增的展厅、报告厅、餐厅和纪念品商店；高区用于非展览相关的商业项目，面向花园的玻璃大厅为钢结构的四层通高空间，大面积透明的玻璃和层层递进的形式，使得博物馆室内的每一层都拥有花园视野和明亮的通高大厅。

博物馆建筑群内如同白色盒子的室内大中庭始建于2000年，由日本建筑师谷口吉生设计，室内大中庭连接各个展厅与进出口，建筑群表面覆盖了黑色系花岗岩和玻璃，并采用了银白色系的铝材和白墙两类元素。博物馆内部主厅始建于2017年，其无缝地衔接于曼哈顿西53街和54街之间，主厅被充分地扩展，成为一个光线充足的双层高空间。博物馆建筑群内展厅全部被打通，衔接在一起，馆内2层到6层空间广阔，且植入了两处通高的中庭，且强化了主要扶梯交通流线，加入了新的包豪斯楼梯，增加了可以眺望花园的立面通透性。

展厅布局

纽约现代艺术博物馆展厅总面积约165000平方英尺，建筑内部地上共六层，地下一层，共展出约20万件绘画、雕塑、素描、版画、照片、建筑模型和图纸等藏品，以及200万张电影剧照。博物馆一层下方建有地下室，地下室设有电影中心、三个用于临时展览的展厅以及售卖博物馆周边产品的博物馆设计商店。博物馆设计商店面积为5950平方英尺（约553平方米），敞开于上方的大厅空间。馆内入口（Night Entry）、西侧休息室（West Connector Lounge）和刀锋楼梯（Blade Stair）等多处街道入口、桥梁、楼梯和玻璃电梯进入地下一层与二层。

博物馆一层大厅空间向所有人开放，设有售票处、衣物存放区、电影服务台以及接待处并展出大型的艺术装置，此外，博物馆西侧大厅设有两个入口，可直接进入售卖文创产品的博物馆商店与用作临时展览的展厅。其中包含占地面积约为362平方米的专门项目展厅（Projects Gallery），双层高的项目展厅装配了可卷起的投影幕布和用于控制光线的遮光布，定制的LED灯具可以基于照明轨道系统任意布置，带来均匀的洗墙光，适合多媒体场景使用。博物馆二层西侧为常设展厅，内部划分为16个小展厅，展出20世纪70年代至2023年的藏品，中部为Crown创新实验室、Atrium、萨克斯画廊（Sachs Galleries）三个用于临时展览的展厅。其中Crown创新实验室面积约为148平方米，是一个实验性的创意空间，用于探究想法、问题和艺术实践过程。展厅内部使用木材、胶合板和其他柔软的材料，大厅设置有灯具，以及用于投影和张贴的大型枢轴墙和通高的储物墙。博物馆三楼为三个用于临时展览的展厅，分别为菲利普·约翰逊画廊（The Philip Johnson Galleries）、爱德华·斯泰肯画廊（The Edward Steichen Galleries）以及罗伯特·b·门舍尔画廊（The Robert B.Menschel Galleries）。

一层

当代艺术中心（MoMA PS1）

建筑设计

纽约现代艺术博物馆另一展馆——当代艺术中心（MoMA PS1）位于美国纽约皇后区长岛城中心区域，建筑面积为84000平方英尺，建筑前身为19世纪的公立学校建筑。当代艺术中心建筑由建筑师弗雷德·里克·费希尔（Fred Rick Fisher）设计，建筑物整体保留了原有的钢框架，去掉了非承重的隔墙，传统教室类型的展厅保留了旧建筑的砖木结构。建筑入口设在旧建筑后部塔楼之下，入口深处设立了三个由水、混凝土高墙围合而成的无顶空间，开口与庭院相连，形成户外弹性展示场所，进入庭院后，来到了凹入的建筑入口空间，从街道标高到建筑入口处标高的变化，产生了一个用于表演的室外舞台。

展厅布局

当代艺术中心建筑内部共四层，包含地下一层与地上三层，该建筑配备一部电梯，可通往内部所有公共区域。博物馆的地上三层，均为临时展览展厅，用做当代艺术的展览活动。馆内设有书店、咖啡馆，馆内一楼设有迎宾大厅。建筑外的室外广场常年用于展示当代艺术中心举办的Young Architects Program建筑设计竞赛的获奖作品，以及举办暖身系列派对（Warm Up Series）大型户外电音派对活动。

陈列展览

固定展区

1880-1940年代藏品区

1880-1940年代藏品区位于博物馆5楼，该展区内部藏品多次进行更新与组合，大致按照19世纪80年代至20世纪40年代的时间顺序排列，分布于23个房间。展区内藏品风格多样，展出了维也纳分离派、巴黎先锋派、超现实主义等艺术风格的藏品，以及塞尚（Cézanne）、高更（Gauguin）、修拉（Seurat）、梵高（Van Gogh）、康斯坦丁·布朗库西（Constantin Brâncuși）、亨利·卢梭 ( Henri Rousseau)等19世纪至20世纪著名画家、艺术家的艺术作品。此外，展区内藏品种类多样，包括雕塑、版画、绘画、摄影作品以及艺术装置等，还展出了《沐浴者》《星夜月》《橄榄树》《玛亚斯特拉》等艺术品。这一展区旨让人们通过展品了解不同的艺术风格，感受经典美术作品所具有的革命性力量以及了解历史与艺术家们藏于艺术品中的无数创意。

1940-1970年代藏品区

1940-1970年代藏品区位于馆内4楼，该展区内部藏品多次进行更新与组合，大致按照20世纪40年代至20世纪70年代的时间顺序排列，分布于22个房间。展区内藏品风格多样，展出了抽象表现主义、几何抽象、现代主义等艺术风格的藏品，这些艺术品来自于画家亨利·马蒂斯（Henri Matisse）、摄影师欧内斯特·科尔（Ernest Cole）、艺术家与音乐家小野洋子（Yoko Ono）、艺术家詹姆斯·罗森奎斯特（James Rosenquist）等人。展区内艺术品种类繁多，主要有《F-111》《24 Studen》海报、《游泳池》《奴役之家》等波普绘画、电影、模型、摄影作品以及海报等艺术品。这一展区旨让人们通过不同风格的展品了解20世纪40年代至20世纪70年代期间的历史及艺术风格，以及历史对艺术创造带来的影响。

1970-2020年代藏品区

1970-2020年代藏品区位于馆内2楼，该展区内部藏品多次进行更新与组合，大致按照20世纪70年代至22世纪20年代的时间顺序排列，分布于15个房间。展区内藏品风格多样，展出了大量展现女性主义、土著文化、美国文化、反殖民主义等主题的当代艺术藏品，这些艺术品来自于艺术家霍华德娜·平德尔 (Howardena Pindell)、安东尼奥·鲍卡(Antonio Paucar)、凯·沃金斯（Kay WalkingStick）等人。展区内艺术品种类繁多，主要有《黑日之下》《宵禁》《看不见的太阳》等绘画、艺术装置、影片、芯片等藏品。这一展区旨在通过1970年代至2020年代的藏品，为人们重现20世纪70年代经济大衰败、艾滋病大流行等社会问题，展现这一时期的艺术风格以及时事政治对艺术创作的影响。

临时展览

莫奈的睡莲（Monet’s Water Lilies）

莫奈的睡莲展于纽约现代艺术博物馆，展览时间为2009年9月13日至2010年4月12日，展示了著名印象派画家莫奈（Monet）晚年的全套画作，其中包括一幅壁画大小的三联画《睡莲》、一幅描绘了莫奈在法国吉维尼日式池塘中种植的睡莲的单板画，以及《日本人行桥》和《百子莲》，这些画作描绘了生长于池塘附近茂盛植物。长期以来，展览内展出的画作一直在博物馆观众中享有特殊地位，此次展览旨在让人们更加了解莫奈的相关作品，并为人们提供了一片放松身心的现代绿洲。

标记时间：大规模监禁时代的艺术（Marking Time：Art in the Age of Mass Incarceration）

标记时间：大规模监禁时代的艺术展于博物馆分馆——纽约当代艺术中心，展览时间为2020年9月17日至2021年4月5日，展览由罗格斯大学美国研究和艺术史教授妮可·R·弗利特伍德（Nicole R. Fleetwood）博士组织，展出了韦尔蒙·沙尔霍恩（Welmon Sharlhorne）、苏珊·李珍（Susan Lee-Chun）、贾斯汀·斯特林（Justin Sterling）、康纳·布罗德里克（Conor Broderick）等35位艺术家的作品。展品包括照片、绘画、艺术装置等，展览旨在探讨美国监狱中的艺术家们的作品、牢狱生活对艺术家们的影响以及监禁对当代艺术和文化的作用。

巴西现代主义摄影，1946–1964（Fotoclubismo Brazilian Modernist Photography, 1946–1964）

巴西现代主义摄影展展于纽约现代艺术博物馆，展览时间为2021年5月8日至9月26日，展出了格特鲁德斯·阿尔舒尔（Gertrudes Altschul）、保罗·皮雷斯·达席尔瓦（Paulo Pires da Silva）、阿尔齐拉·海伦娜·特谢拉（Alzira Helena Teixeira）、小卢西利奥·科雷亚·莱特（Lucílio Corrêa Leite Filho）等23位来自巴西圣保罗的业余摄影师团体Foto-Cine Clube Bandeirante的摄影家们的作品。展品包括《圣保罗的建筑（Buildings in São Paulo）》《日常场景（Everyday Scenes）》《铁轨（Trilhos）》等60多幅摄影作品。该展览旨在向人们展示巴西现代主义的摄影风格，让人们更加了解二战之后丰富的巴西文化。

自由成长（Freedom to Grow）

自由成长展于博物馆分馆——纽约当代艺术中心，展览时间为2022年9月17日至2023年4月3日。该展览由艺术家杰基·苏梅尔、纽约非盈利组织下东区女孩俱乐部 (LESGC) 和纽约当代艺术中心联合打造，展出了苏梅尔与下东区女孩俱乐部共同制作的如壁画、照片、图画、植物、药物、采访音频等艺术品。该展览旨在向人们展示苏梅尔与来自俱乐部的实习生们参与研讨会时探讨的问题，“如植物能教会我们什么？”“如果我们拥有所有想要的东西，并处于安全的生活环境中，那么这个世界会是什么样子？”等等，引发人们对于自然环境、世界、未来的探讨。

馆藏精品

星月夜（The Starry Night）

该藏品为纽约现代艺术博物馆重要馆藏之一，其长73.7厘米，宽92.1厘米，为布面油画，1889年由荷兰后印象派画家文森特·梵高（Vincent van Gogh）在法国圣雷米的一家精神疗养院绘制完成。该画由梵高在多次观摩了不同的天气情况后创作的，画面以黄色和蓝色为主，运用夸张的手法，描绘了动态的星空月夜景色，画中运用弧线表现云层舒卷，画面左边是一株高耸柏树，树的右边是安静的村落，中间有一座突出的小教堂，村庄的静凸显星空的动，让整个画面富有节奏感。藏品展览于馆内5层502展室内。

沐浴者（The Bather）

该藏品尺寸为127 x 96.8厘米，其为布面油画，1885年，由法国印象派画家保罗·塞尚（Paul Cézanne）创作完成。1870年代，塞尚开始描绘沐浴者的场景——一群人在树木繁茂的水坑及四周闲逛、游泳或站立。在这幅作品中，他的灵感来源于工作室中一张摆姿势的男人的照片，描绘了一个年轻男性沐浴者的形象，画中男子双手叉腰，一只脚位于另一只脚前面，眼神低垂，而画中背景颜色也与人物周围黑色轮廓线分开，但有时也相互呼应，甚至相互融合。该藏品展出于博物馆内5层502室。

白色上的白色（White on White）

该藏品尺寸为79.4 x 79.4厘米，其为布面油画，1918年，由俄罗斯画家卡齐米尔·马列维奇（Kazimir Malevich）绘制完成。马列维奇痴迷于飞行技术，希望用白色来营造一种漂浮和超越的感觉。他认为白色是无限的颜色，象征着一个只有通过非客观艺术才能实现的乌托邦世界。于是，他在1918年创作了该作品。该画为几何抽象画，没有外部现实的参照，画中一个白色的正方形在大面积的白色场地里失重漂浮着，正方形并不完全对称，线条也不精确，给人们一种没有限制空间的感觉。该藏品展览于博物馆内5楼507室。

梦境（The Dream）

该藏品尺寸为204.5 x 298.5厘米，为布面油画，1910年，由法国后印象派画家亨利·卢梭（Henri Rousseau）绘制。在该画中，卢梭的创作灵感来源于其曾参观过的巴黎植物园，画面中，睡在沙发上的裸体女人梦见自己被带到了植物茂盛和野生动物出没的森林里，在月光下，她聆听着音乐家吹奏乐器的声响。该画为卢梭代表作之一，商人安布鲁瓦兹·沃拉（Ambroise Vollard）于1910年2月从卢梭手中买下此画，此画经历多次辗转，1954年被美国商人纳尔逊·洛克菲勒（Nelson Rockefeller）购入，随后，他为庆祝博物馆成立25周年，将该画捐赠给了博物馆。该藏品展览于博物馆5楼503室。

百老汇爵士乐（Broadway Boogie-Woogie）

该藏品尺寸为127 x 127厘米，为布面油画，1942年，由抽象派画家皮特·蒙德里安（Piet Mondrian）绘制。蒙德里安创作该画的灵感来源于爵士乐的分支boogie-woogie music，他尝试在作品中加入boogie-woogie music的要素。在该画中，他使用最基本的线条——即平行的横线和垂直的竖线，选择使用红、黄、蓝基本三色与白、黑、灰作画。画中线条色彩斑斓，微小的色块相互碰撞，展现出充满活力和脉动的节奏，同时，画面经过精心校准，色彩线条中穿插着灰白块。该藏品展览于博物馆5楼512室。

睡莲（Water Lilies）

该藏品尺寸为200 x 1276厘米，为三幅布面油画，1914年，由法国印象派画家克劳德·莫奈（Claude Monet）创作完成。1914年，莫奈提出了一个设想，他决定创作一个由多幅大型绘画组合而成的圆形装置，将人们包围其中，感受广阔的水域、植物和天空。因此，他以法国西北部吉维尼花园中的百合池为灵感，在人生最后的12年创作了40幅大型画作，博物馆展出的《睡莲》是其中的一部分。在这幅三联画中心，百合花在绿蓝相间的水池中盛开，池中布满了淡紫色云朵的倒影，左侧面板为深色阴影，右侧面板中，天空和水面被大片红绿色植被吞没，从而为人们营造了一种沉浸式的观感。藏品展览于博物馆5楼515室。

亚维农的少女（Les Demoiselles d’Avignon）

该藏品尺寸为243.9 x 233.7厘米，为布面油画，1907年，由西班牙画家巴伯罗·毕卡索（Pablo Picasso）创作。作品标题中的“亚维农”是指巴塞罗那一条以妓院闻名的街道，该画使用原始主义画法，描绘了五名由破碎的平面组成的裸体女性，她们脸部图案的创作灵感来自于伊比利亚雕塑和非洲面具。这幅画中这些女性所居住的压缩空间以锯齿状的碎片投射到画面上，画面底部则有一片在桌面上摇摇欲坠的瓜。该藏品展于博物馆5楼503室。

舞蹈 I（Dance I）

该藏品尺寸为259.7 x 390.1厘米，为布面油画，1909年，由法国野兽派画家亨利·马蒂斯（Henri Matisse）创作。在该画创作的过程中，马蒂斯受摄影技术的影响，采用了简化的绘画方法，使用简单的颜色及线条来进行艺术表达。在该画中，他只使用了四种自然主义颜色，蓝色代表天空，绿色代表地面，以及黑色和淡粉色来画出五个人物。马蒂斯该对构图进行了调整，图中线条展现出流动性和动态感，如人物左侧及前侧的弧线，以及舞者们伸出的手臂，表达了无拘无束的喜悦之情。该藏品展于5楼506室。

记忆的永恒（The Persistence of Memory）

该藏品尺寸为24.1 x 33厘米，为布面油画，1931年，由西班牙超现实主义画家萨尔瓦多·达利（Salvador Dalí）创作。该画采用超现实主义表达手法，画中右上角的金色悬崖是达利家乡加泰罗尼亚的海岸，画中本应坚硬的钟表在荒凉的背景中莫名的变得柔软，金属则像腐烂的肉一样吸引蚂蚁。在达利看来，这些柔软的手表描绘的是“时间的卡门贝尔奶酪”，在画中这片土地，时间失去所有意义，永恒也随之而来。在该画创作的前一年，达利诱导自己产生精神病幻觉以来进行艺术创造。该展品展于博物馆5楼517室。

金宝汤罐头（Campbell’s Soup）

该藏品由32块画布组成，每块画布尺寸为50.8 x 40.6厘米，其为布面丙烯画，1962年，该作品由美国艺术家安迪·沃荷创作而成。该展品以丝网印刷的方式制作而成，32块画布的表面上各画着一个金宝汤罐头，每一个罐头是当时罐头汤制造商旗下不同口味的产品。作品透过描绘日常生活中唾手可得、平凡普通的事物，细致演绎了平民化主题的艺术，反映了波普艺术的精髓，该展品展于博物馆4楼412室。

学术研究

学术收藏

纽约艺术博物馆内图书馆建于1929年，收藏了世界上最重要的现当代艺术研究资料。图书馆馆藏包括约300000册书籍和展览目录、1000多种期刊以及40000多个记录艺术家和艺术团体的档案和文件。这些馆藏记录了从1880年至今的绘画、雕塑、素描、版画、摄影、建筑、设计、表演、视频、电影和新兴艺术形式的发展历程。

研究中心

纽约现代艺术博物馆内部设立了三个研究中心，分别为安巴斯研究所（Ambasz Institute）、塞莱斯特·巴托斯电影保存中心（The Celeste Bartos Film Preservation Center）与西斯内罗斯研究所（Cisneros Institute）。安巴斯研究所成立灵感来自于埃米利奥·安巴斯 (Emilio Ambasz)在建筑生态中的想法，研究所通过对各种规模的建筑环境（建筑、城市、景观和物体）设计方法的探索和研究，旨在使公众了解建筑与生态之间的相互作用。塞莱斯特·巴托斯电影保存中心成立于1996年，建筑位于宾夕法尼亚州，由两栋建筑组成，占地38英亩，电影中心耗资1120万美元引进先进的存储设施，用于存储胶片，电影中心馆藏30000多部国际影片，被誉为世界上最佳的电影艺术档案馆之一。西斯内罗斯研究所（Cisneros Institute）成立于2006年，旨在通过创办项目和出版物，促进、支持和传播拉丁美洲现当代艺术的研究。

学术交流

纽约现代艺术博物馆为促进学术交流，先后举办数场研讨会、学术演讲等。如2002年，博物馆与香港艺术中心联合举办“二十一世纪的博物馆实践：与MoMA的文化交流”主题交流会，该会议于2002年11月14日至18日在香港举行，亚太地区如上海美术馆、韩国三星艺术博物馆、新加坡美术馆等博物馆艺术机构均有参加，研讨会主要讨论了21世纪以来博物馆建设的经验。2008年，现代艺术博物馆与牙买加科技大学合作，举办了一场关于加勒比地区现代主义建筑的研讨会。来自巴巴多斯、哥伦比亚、多米尼加共和国、牙买加、墨西哥等13个国家的建筑师、建筑历史学家和策展人参会，讨论了与区域和国际遗产、环境可持续性发展和城市规划等与现代主义建筑历史和当代实践相关的主题。2016年，纽约现代艺术博物馆为来自世界各地的博物馆专业人士举办了第三届策展研讨会，会议为期两周，对12名高级策展人进行专业培训，旨在培养策展人领导技能，帮助其建立国际网络。

研究项目

纽约现代艺术博物馆设立了一个名为C-MAP的博物馆内部跨部门研究项目，多年来，其旨在进行对北美和西欧以外的国家和地区的艺术史进行研究。C-MAP项目成立于 2009 年，项目内有来自16个部门的60多名工作人员，并分为三个研究小组，重点研究非洲、亚洲以及中欧、东欧的现、当代艺术。每个小组都邀请著名学者、艺术家和策展人定期主持研讨会，以建立与研究当地联系，并获得第一手信息，并将研究成果发布至名为Post的研究网站上，向公众展示艺术史中的新研究如散文、访谈、旅行报告、艺术家访谈、档案材料、翻译资料以及一些书目等。此外，C-MAP还定期邀请来自世界各地的学者和艺术家来到博物馆参观，其与全球文化机构，如波兰的罗兹艺术博物馆建立了长期合作伙伴关系，在策展、藏品保护、策展和档案等领域进行交流。

出版书籍

纽约现代艺术博物馆为展示多年艺术研究成果，先后出版多本书籍。如《主要文献：20 世纪 50 年代以来东欧和中欧艺术的资料手册（Primary Documents: A Sourcebook for Eastern and Central European Art since the 1950s）》一书出版于2002年，是第一本东欧和中欧现代艺术的英文文献集，该书收集了艺术家、学者塔德乌什·坎托尔（Tadeusz Kantor）、科马尔（Komar）、梅拉米德（Melamid）、斯拉沃伊·齐泽克（Slavoj Žižek）等人的著作，介绍了20世纪下半叶，中欧和东欧主要艺术和批评运动。《阿尔弗雷多·博尔顿和他的同代人：1912-1974 年委内瑞拉艺术的批判性对话（Alfredo Boulton and his Contemporaries: Critical Dialogues in Venezuelan Art 1912–1974）》一书出版于2008年，书中包含了博尔顿时代著名拉丁美洲知识分子的作品，如信件和评论文章等，展现了这些知识分子的作品和思想如何塑造了当代委内瑞拉的面貌，并讲述了该国走向现代化，在国际文化舞台上获得自主身份的斗争历程。2010年，出版了《中国当代艺术：主要文献（Contemporary Chinese Art: Primary Documents）》一书，书中以时间顺序为主，讲述了1976年至2006年间中国先锋艺术的发展。2018年，博物馆出版了《1989年后中欧和东欧的艺术与理论：批评选集（Art and Theory of Post-1989 Central and Eastern Europe: A Critical Anthology）》一书，书籍讲述了1989年至1991年间的政治变革，对随后几十年的艺术实践、批评和文化生产的影响。

设立基金

2015年，哈莱姆画室博物馆和现代艺术博物馆联合设立了一项为期两年的奖学金计划，旨在培养下一代博物馆馆长。参加计划的研究员在两个博物馆策展或教育部门工作一年，获得经验，并获得年度旅行津贴，以离开纽约进行研究，促进与世界各地的艺术、博物馆专业人士的联系。

文化活动

社教活动

纽约现代艺术博物馆内常年开设社教活动，馆内针对不同年龄段、不同需求的人群设计了不同的课程。如馆内面向中小学生设置了绘画、雕塑、版画、摄影写作等课程，在设计服装课程中，学生们观察设计师索尼娅·德劳内·特克（Sonia Delaunay-Terk）的设计手稿及了解其生平后，进行自主设计，为自己设计出一件衣服，锻炼学生们的创意思维。在色彩课程中，学前儿童通过将几块白纸涂成不同的颜色，并根据自己的喜好进行排列这一活动，认识不同的颜色并了解画家是如何作画的。博物馆设置了MoMA Learning系列网课，为社会人士提供学习电影、现代艺术、行为艺术、抽象表现主义等艺术课程，人们可从课程中了解艺术知识及艺术发展史。博物馆为想要了解现代和当代艺术的教师们，定期举办教师研讨会及教师课程，课程教授内容为如何利用博物馆使用探究式教学方法，将艺术作品融入课堂。并在研讨会上，讨论人的身份、社会情感学习与艺术之间的联系，以及现代艺术博物馆藏品与时代相关性等议题。

文创设计

纽约现代艺术博物馆文创商店在设计之初，根据其8项设计筛选标准对新产品进行评估，确保每件产品都符合其优秀设计的愿景。接下来，现代艺术博物馆的策展部门会对每件产品再次进行评估，只有通过这两次评估的产品才能上线售卖。店铺内售卖的商品种类繁多，有灯具、蜡烛、厨房用具等家庭用品，也有相机、音箱、耳机等电子产品，以及版画、图书、宠物用具、艺术品等其他博物馆设计产品。所有文创产品在纽约现代艺术博物馆线下博物馆设计商店与线上商店均有销售。

设立奖项

纽约现代艺术博物馆分支机构当代艺术中心于2000年，为鼓励新兴的建筑人才，建筑策展人Terence Riley发起年度竞赛，创立了青年建筑师计划。在选择青年建筑师计划的入选名单过程中，学者、专业人士和往届获奖者共同提名了约50家尝试新样式或新技术的公司，每个参赛者需提交作品集供小组审议，小组选出五名入围者进入决赛，并提出初步建议，每年2月公布获奖者名单。

主要奖项

1979年，奥斯卡评委会为MoMA 电影部颁发终身成就奖，表彰其对电影艺术普及所做的贡献。

相关争议

纽约现代艺术博物馆收藏了毕加索早期的画作《牵马的男孩（Boy Leading a Horse）》，该画作来自于犹太银行家保罗·冯·门德尔松-巴托尔迪（Paul von Mendelssohn-Bartholdy）在纳粹掌权后，卖掉的16幅名画中的一幅。孟德尔松·巴托尔迪1934至1935年将画卖给了犹太艺术经销商贾斯汀·撒那浩塞（Justin Thanahousse），贾斯汀后来将《牵马的男孩》卖给了博物馆。2009年，犹太学者朱里乌斯·斯科皮斯（Julius Scorpius）称自己是保罗·孟德尔松·巴托尔迪的继承人，其叔公孟德尔松·巴托尔迪曾拥有这两幅毕加索画作，迫于纳粹压力才出售两幅作品，朱里乌斯·斯科皮斯要求博物馆归还。博物馆提出反驳，并向纽约州法院提出申诉，要求确定画作的合法所有权。经过法院调解，该作品的最终条款并未公开，但两幅作品仍在这两家博物馆的馆藏中。