是什么原因让一些中国画比较注重写意而不讲求写实？

中国画发展为写意画的主流精神，这是世界绘画史上的伟大创举。

首先，一种文化的特色，必然起源于这个文化的“第一认知”。

“第一认知”说起来要花费不少时间。我就举一个大家都熟悉的，鲁迅关于“杭育杭育”的例子吧。

鲁迅说，最早没有语言，为了抬木头，有人喊“杭育”，于是大家都习惯在抬木头时喊“杭育”，这样，一个“杭育”的语言就传下来了。

绘画不是抬木头，也不是“杭育”。但是，有人画出一个动物，大家觉得好，以后也这样画，那么就会形成一种画法。这个特点与“杭育杭育”这个语言起源的道理，没有什么本质差别。

比如，中国的画里的方形体积，从汉代开始就都是近小远大，我们一直没有去改造这种“反透视”的画法。这就是“第一认知”决定的，因为我们承传了这个绘画范式。

中国画第一认的原始性，还体现在很早就使用毛笔与墨，色彩用矿物质。

在中国画发展的过程中，写实性一直不是很强，但是表现性很强。

这样的“第一认知”特色，决定了中国画的装饰性和主观抒情色彩特别强烈的鲜明传统。

宋代开始，中国画的写意性美学主张占据了主导地位。用纸也大量使用宣纸。

写意画，从此一路高速发展。元代，画家又自觉把书法和绘画结合起来，有力地支持了中国画分科绘画的特色，尤其对绘画的大科山水和花鸟画的支持最为有力。

明代两代，山水画和花鸟画都受到书法入画的影响，发展极为繁荣。写意性和书法抽象性的结合，使得中国画具有世界上最为独特的思想性和象征性的美。

中国画既不是很像绘画对象有不是不像绘画对象。这就与西方绘画破坏了写实性以后，变得非常抽象，乃至于远离了视觉和想象。

而人物画相对落后一些。但是，从中国画的创造性来看，中国画家一直没有把绘画对象作为唯一的参照“标准”，这是中国画与西方绘画，总是以绘画对象为唯一参照“标准”最大的技术不同。

中国画家的这些创造，是中国哲学精神诗歌精神的反映。因此，中国画的象征性和寓意性也是非常突出的。

比如，中国画家的梅兰竹菊，已经不是花卉的梅兰竹菊，而是高洁的人格品德的追求。

所以，中国画家画一个东西，总是能够画出不一样的“一样”，而西方的传统绘画，只能画出都是一样的一样。

本人不是美术专业人员，所以只能以自己的理解简单说一下。一是中国画的工具，毛笔和宣纸，都比较适合写意中国画的创作，二是中国人的思维尤其是文人中禅的精神对写意中国画有很大影响，再加上中国文人本身含蓄内敛的性情，这几个方面相契合，正好能表达出写意中国画对意境的追求，极简单，却又包容一切，乍看虚空，却又回味无穷。

谢邀！关注中国画！喜爱中国画的朋友，一起聊聊中国画，欢迎不同的观点和见解讨论，现在就有朋友提出什么原因让中国画注重写意不讲究写实的话题？首先是搞明白“写意”和“写实”概念问题，接受中国画艺术传统学习的朋友能清楚，但是接受西方艺术教育观念和模式的艺术院校学习的朋友，很容易造成混乱和疑惑，为什么？因为这些概念和教材，全盘西化思潮下，追求西方文化传统和艺术传统的中国的西化的文化精英，对中华传统文化和中国画艺术传统不清楚，认为是不科学，提出反中国画传统的美术革命和炒作创新的口号，都是参照或者是照搬西方艺术传统教材，熟悉中国画常识的朋友，都知道，谈到中国画笔墨精神，就是写意精神，反映中国画创作者的思想和感情的“意”，中国画不仅仅是对创作的客观对象外部形象的刻画，还包括内在的神韵，更包括创作者的思想和感情对创作客观对象的主观的观察和理解。根据技法划分，可以分为工笔和意笔（小写意和大写意），虽然这样，但工笔和意笔都是讲究写意精神，只是象中华传统文化的性格特征是念蓄和张扬的整体两面性，所以中国画的工笔和意笔是中国画两个并行发展的方向，代代都有代表性的中国画家，以及代表性作品和理论著作，如果再深入的讲授中国画发展史，中国画的发展受中国画材料影响很大，中国画的材料仅仅是谈纸的方面，先有熟纸，后有生纸，所以早期看到主要是工笔的中国画，后来，研究和生产出来生纸，也就拓展中国画的笔墨自由变化和表现程度，意笔的发展方向不断突破和开拓，无论是所谓的小写意，还是发展到大写意，（说明：由于中国西化艺术院校造成的中国画混乱，已经被大家接受和熟悉的概念，只能相对的使用，不使大家在以中国画为代表的中国艺术传统和以油画为代表的西方艺术传统之间，找不到相同或者相近的概念意思转换，还是尽可能使用现在已经使用的概念，所以“写意”相当于中国画传统的“意笔”，“写实”相当于中国画传统的“工笔”，但是中西的艺术体系和艺术追求是各自独立而不同），突破和开拓在生纸上变化更加明显，人才更是辈出，产生的影响更加抢眼，但是还有工笔的创作和研究的中国画家，以及代表性作品和著作不断，特别是近现代工笔和意笔都出现很多代表性的名家，工笔如于非闇、陈之佛、张大千等为代表，意笔如吴昌硕、齐白石、潘天寿等为代表，（附：陈之佛工笔作品和潘天寿意笔作品）

不断的继承和开拓，促进中国画不断的发展和繁荣。问答篇幅所限，就说到这里，欢迎关注我，到我的“国画聊吧”，一起聊聊交流中国画。

在艺术领域，创新非常可贵。做为一个画家能在方寸之间表达自己所思所忆是一件很酷的事，画家本人在创造中获得精神上的愉悦快乐。

首先要说的是，并不是只有中国画有写意流派，西方的油画也有写意流派，所谓的后印象派就注重写意，梵高的画很多都是如此。我以为中国的写意画产生有三点原因：一、文化原因。中国的宣纸、毛笔更方便打造写意画，中国的文化流派更注重灵性和形象思维，有利于写意画生发进步。另外是中国文人对写意画的巨大推动。中国的画匠绝少有成名的，不管是给宫殿画多少彩绘也只是工匠，哪怕画得无比的准确。往往是那些有文化修养的文人绘画更容易得到流传。

换句话说象王维、米芾、八大山人、徐渭、郑板桥等人都是饱读诗书，他们在画画时更倾向于表达内心世界，写意画恰好让他们得心应手。精描细画让位给破墨、泼墨、大写意。宁可散乱也绝重复，宁可叛逆也不保守退步……二、自然原因。有一天早上，远望群山，雾气朦胧，我突然意识到有些风景是不需要看全的，要有遮隐，要有空白才能让人回味无穷。其实很多大写意山水或人物画，无非是模拟高妙的自然，本质上并没有完全摆脱自然万物。当一个画家以自然为师，终归会发现自然的个别时空奇异之处，与内心产生共鸣。

三、创造原因。以自然为师的画家在更进一步时，就会遇到各种瓶颈，有一天会悟出一个道理，要学会道法自然，这个道在画家心中就是创造的秘境，是心手合一打造源于自然又高于自然的创造物。这时，画家很容易就进入一种追求神似，求生韵的状态。一句话就是追求比自然造化更牛的创造力。

那你与自然比精细？还不如与自然比创造灵性的自由。看看中国的书法文字，从金文、甲骨文到篆字、草书等，是从象形到彰显神韵的过渡。那些古代书法大家很自然地就领悟到书情画意，触类旁通。也就是画家要超脱是要从必然王国进入自由王国的，写意画刚好是表情达意柳暗花明让人眼前一亮……

我们历来传统的美术教育都是这样说的，什么中国画写意、西洋绘画写实，诸如此类的。真是这样的吗？随着年龄增大，特别是游历了祖国大好河山，走的地方多了，看到景色多了，越来越有切身体会，发展在很多古典山水国画中出现的景色其实在现实大自然中确实存在，虽然不容易看到，但却是有。比如，古画中远山多被半山腰的带状云缠绕，这种景色相信很多人都见过。还有，散点透视，大家都说没有西方绘画的焦点透视真实科学，可没想到后来出现了一个毕加索，有过之而不及，更夸张，反而成了创新的现代艺术。

所以，我认为，中国传统国画其实就是现实主义的、写实派。这是我们现代人还不习惯，或者说还没有找到古人观察大自然的视角。一旦你学会了用古人的观察方式去看我们现在的世界，你就会发现，古代绘画不是凭空想象出来的，仍然是以大自然作为现实基础的。不是我们以为的写意，而是真真切切的写实。

中国画更注重精神领欲，把现实变为梦想，从道至儒都是在现实基础上提炼。有实有虚的对比互助下才更为美！互托互辅虚实相傅相依。中国文化并非不实而是实中求精，精里取美！不懂中国文化就不能画好中国画！

这个问题与东西方文化直接有关系，间接与东西方人的性格有关系。我国几千年的文化使得人们的审美风格以在似与不似之间为最高境界，而不太追求写实。这与东方佛教中求即是不求，不求即是求的关系颇有相似。另外我国古代最推崇文人画，文人画以写意为主，写意画以水墨、色彩的变化技巧运用来抒发作者的某中意境，这必定是在短时间内完成，这样才符合文人之间应酬交流审美等需求。如让人倾佩至今的王羲之的『兰亭序』，就是一班文人在兰亭雅集时，王羲之酒后一挥写就。颜真卿的『祭侄稿』也是在悲愤之间挥笔写就。而中国文人的写意画与书法有异曲同工之妙，讲究的就是以书入画。其实西方也有写意画，也在西方人的似与不似之间，只是西方人称之为印象派。如凡高的《星空》等等……

中国画注重写意和西方画讲究写实是受两种文化背景的影响，是中国哲学和西方哲学在绘画艺术中各自的体现。中国的哲学体系形成于春秋战国时期，以老子，孔子，墨子等为代表。中国人追求的天人合一是人与自然的和谐共处，将自然现象抽象出来与人的思想相统一，这追求的就是意境，表现在绘画上就是重意而不重形，这也是写意的中心。

没有相机，写实为了记载，有了相机摄影机，写实弱化了许多，超现实的东西更有意义。

艺术发展到唐宋，艺术家对绘画，雕塑技法理解与西方有殊途同归的意思，元明后没了传承，尤其到明以后，绘画雕塑是退步的，识字的文人随便画几笔，画的不像变形，却形成了新的审美情趣，人物大脑袋驼背叫高古，一团黑墨叫泼墨，体现作者主观情绪，这就像缠的小脚，可以说是病态的审美，一但让他们画工笔就露馅了，这也是很多古画不如当代中国画值钱的原因!

洋洋洒洒、长篇大论看得人昏昏欲睡。。。。。。简单的说：中国画本质上就是“漫画”！！！用简单的工具随心所欲地画画、以表达画者内心的感动。至于像不像、真不真那都不重要，只要有趣、耐看就行。说实在的工笔画再用功也达不到西方写实的效果。本人愚见、不喜勿喷。

第一，传统的文化思想传承教育理论，如各种思想教育书籍，都讲究一种中庸悟道，内敛谦虚，不直白的思想！第二，本身国画的材质工具，国画主要以墨表现艺术效果，本身不具备写实的条件！

没有相机，写实为了记载，有了相机摄影机，写实弱化了许多，超现实的东西更有意义。

1.这和中国古人的思想观念有关。中国古代的主体思想是儒释道三位一体的，做事时都是讲求儒家的，积极进取，主要会反映在政治构建、社会治理、家庭管理以及人际关系等方面。而生活时又多讲求道家、禅佛的，追求天人合一的自然、无为即有为的辩证、心纳万物的禅悟，把“看山是山、看水是水到看山不是山、看水不是水再到看山还山、看水还水”作为思想境界层次来追求，这深刻地影响到中国古人的审美意识、审美情趣和审美走向。所以，中国画的主体多为山水风景、花鸟鱼虫等，而且把超越实际外在形体来体现创作主观感受作为审美终极目标。这一点，其实在诗词文赋等其他艺术形式上也有体现。

2.这和中国古代的社会分工有关。中国古代，文人社会地位很高，而工匠社会地位很低，因此形而上的文人画备受推崇，形而下的从事绘画的工匠们（甚至宫庭画家）也寂寂无名。和西方相比，中国古代从来没有产生独立的画家行业。近代著名国画大师溥儒说：与其称我是画家，不如称我是书法家，与其称我是书法家，不如称我是诗人，与其称我是诗人，不如称我是学者。他的这番话典型反映了中国古代社会的价值观。

3.这和中国古人的创作工具有关。中国古人发明的毛笔、墨和宣纸，几乎是写意文人画的绝配。

4.当然，中国古代也有写实水平较高的工笔画，但是，其领域没有充分体现在人物画方面。同时，写实手段主要靠线条，透视、人体解剖、光线运用等技法没有发明运用，从技术的角度限制了中国古代写实画作的水平。

5.总之，中国国画是中国古人思想观念在艺术领域的延伸，是中国原创文化的重要组成部分，而且独成体系。它既有自身独特的魅力和优势，也有天然的局限性。所以，现代绘画应该是中西审美思想的融合贯通、技法的取长补短。

儒客非儒客一家之言，望批评指正！