频谱音乐的基本原理是什么？体现在中国的音乐环境中，有哪些作曲家可以熟练使用？

抄书讲就还不如去百度好了，我按照个人对于音乐的理解来谈谈自己对于频谱音乐的一些观点吧。

首先，频谱音乐可以说基本上脱离了12平均律这种固有序列的理论体系。或者说是12平均律构成的框架理论体系，12平均律是从这个框架提取精炼系统化出来的。这个框架理论主要是针对声音产生的共振，增益，动态，谐波，驻波，等等的物理声学内容的一个集合。只要声波同事产生且人耳听见是觉得和谐的，都可以判断为体系和声。

频谱音乐看似框架更加，很多人觉得那不是更加随意了？事实上肯定不是，反倒是整个变得更加复杂。因为和声的规则变得更加复杂了，不像12平均律一样，是已经把频响固定，然后按照序列就可以做出需要的和声。频谱音乐的和声，需要基于听感判断，有时候是同一些组成频率，动态或者增益，甚至相位不同，也会造成和声的不同，事情变得更加复杂了。要熟练掌握里面的规则估计，也就只有一些专心研究这个领域多年的声音艺术或者电子先锋的人，或者专门研究超越乐理的人。

推荐一个类似的音乐，自己去理解一下吧。

由于频谱音乐的框架更加大，所以涵盖的演绎方式就更加多了，这个是用传统乐器演奏的，其实，我个人认为还不是很算，感觉更多像是64平均律的感觉。不过既然已经不是在12平均律体系中，那就姑且算是吧。

频谱音乐整个听起来已经很难讲清楚好不好听了，只能说，声音还算和谐。

这个还真不知道

　《频谱音乐的基本原理》的目的是为了研究频谱音乐的基本原理，以第一代频谱乐派作曲家杰勒德·格瑞瑟、提斯坦·缪哈耶的作品为研究重点，辅助于第二代已经具有国际影响力的“后频谱”作曲家的作品为佐证，深入探讨他们作品中反映出来的声学原理；借助电子仪器、电脑频谱分析来揭示构成这些作品的声音本质；探求他们把声学、电子理论运用于常规传统乐器的经验成果，并按照人们习惯的音乐“术科”分类标准进行归纳、综合出频谱音乐的旋律形态、和声建构、复调特征、曲式原则、配器原则等方面的“新”成果，总结出频谱音乐作品的组织结构特性。

频谱音乐的基本原理，有一个本数专门介绍这个。

作者:肖武雄

出版社:文化艺术出版社

出版时间:2015年01月

研究具有国际影响的法国频谱音乐流派在作曲技术领域探索的新成果，以第一代频谱音乐作曲家杰勒德格瑞瑟、提斯坦缪哈耶的作品为研究重点，辅助第二代 “后频谱”作曲家的作品为佐证，深入探讨他们作品中所反映出来的声学原理；借助电子仪器、电脑频谱分析来揭示构成这些作品的声音本质；探求他们把声学、电子理论运用于常规管弦乐器的经验成果，最终总结出频谱音乐作品的组织结构特性。

这些被我们称之为频谱音乐的，是对振动的清晰再现，它既能表现出振动的各个主体又能体现紧绷着的弦与气流柱之间简明的数字关系更有紧绷的膜片间或者各物理结构之间的复杂联系。振动作用于的主体包括无数张力逐渐减弱再陆续增强的基础颤动。通过音调的细微调制技术，把复杂的声音元素输出为简单的信号，我们今天已经能准确认知这个声音的再现过程。多亏了数字合成技术能够分离振幅、相位、频率，并且可以有选择的参与、干涉这些部分。

国内目前找寻了一下，收到一篇报道，复制给大家看下：

　　法籍华人作曲家徐仪教授应武汉音乐学院作曲系与科研处邀请，围绕欧洲近年来推崇的“频谱音乐”，以及自身创作，为作曲系师生举办了一场别开生面的讲座。 　　

讲座的上半场，徐仪教授首先以赛西的《四首乐队作品》导入讲座的主题：频谱音乐。她从美学的角度，阐明了自己对频谱音乐的看法。之后，连续介绍了法国作曲家Grisey――“频谱音乐之父”（也是徐仪教授在法国巴黎音乐学院的导师）两部早期的频谱音乐作品：为七件乐器而作的《周期》和为圆号和九件乐器而作的《记忆和侵蚀》。在此基础上她还详细论述了频谱音乐和序列音乐的异同之处。 　　

讲座的下半场，主要围绕徐仪教授自己的几部作品进行讲解。她说：“Grisey作为一名欧洲新音乐作曲家，是在西洋音乐中吸收了东方音乐的思想，而自己的作品，则是以东方思想为主，吸收了西洋音乐的思想。”最后，大家一起聆听了徐仪的新作品，为打击乐而作的《1＋1＝3》，从这部作品中，我们可以听到声音的无限丰富程度，以及作曲家对各种音色的掌控力。“1＋1为什么会等于3呢？这不是一道简单的数学题，而是指一种文化融合了另一种文化，就会产生第三种文化。”这是作曲家对自己作品的诠释，也是中西文化交流在音乐作品中的再次体现。 　　

徐仪出生于南京，1981年从上音附中二胡专业毕业后考入上海音乐学院学习作曲。1986年毕业后留校任教。1988年被文化部派往法国巴黎学习。1991年考入IRCAM第一届研究生班。1994年获巴黎国立高等音乐学院作曲第一名。徐仪是唯一的华人作曲家“罗马大奖”获得者（1996－1998）。曾是法国塞尔吉－蓬图瓦兹国立音乐学院作曲教授，现为上海音乐学院特聘作曲教授。徐仪曾多次接收法国文化部、法国国家电台、众多大型艺术节、国家机构，以及英国、美国、意大利和中国的委约创作作品。这三十多部作品均在欧洲、美洲、亚洲等数十个国家和电台上演和播放。其作品“盈与虚”是继Stravinsky Varèse, Webern, Berg, Messiaen, Dutilleux, Cage, Xenakis, Boulez, Ligeti, Berio, Reich, Grisey 等 20 世纪作曲家作品之后，被法国教育部选为2006、2007年法国高考音乐专业试题。

经过查看频谱音乐的资料，听频谱音乐作曲家的作品之后，我尝试用我理解的角度来总结一下频谱音乐。

1、频谱音乐基本原理是对某一发声物体所能发出的所有泛音的频谱规律进行分析，找出它们的共振峰，谐波和基频等情况，对比提取它们的声纹曲线，时间过渡性，协和序进规则等多项参数，需要把声音拟人化成有机生命体来理解诠释声音从有到无的整个过程，记录它的“诞生”（起奏）-成长（增益）-青春壮年（保持）-老年（衰减）-死亡（逝音）全过程。分析提炼这个过程各个阶段的主要参数，得到作曲的素材和模型结构。

2、在序列音乐中，声音的质感，声响的和谐程度是有明显的界线的，调式音乐中乐器本身的物理声音如果有缺陷，无法正常控制声响的和谐程度，那么整首音乐效果就会被破坏掉，在调式音乐里就是一首失败的作品。因为所以有调性的音乐都有固定的曲式，配器规则。而频谱音乐的创作方法就是抛弃掉所谓序列主义音乐定律，模糊掉声音的质感，声响的界线等，把上述的声音的几个过程用时间过渡的形式作为曲式，复调，配器运用的指导依据。抛弃模糊掉乐器在调式音乐中分配的音色定位，作为单一声音的整体效果，从观察微观声音到宏观声音的行为跨越。

3、频谱音乐的出现是对声音内部产生过程和发展的探索，同时也是对于人的耳朵和大脑的声音接收问题进行探索以及心理声学的研究。随着电子技术的发展，电子合成器能够创造出传统物理乐器更为丰富的音色，而音色就能够更直观的可视化展现一种色彩，一种情绪，或者一种感情，听众能够同步理解作曲家在音乐作品所要表达的意思，而不是单方面主观的去想象。

4、专注于声学探索的作曲家能够熟练的使用和创作频谱音乐，音效工程师以及电子合成器的音乐创作者在频谱音乐这个派别中是先锋者。这是我个人的理解，能力有限，如果论点缪误，还请指点，感谢提问者让我有所收获。喜欢我的答案的，还请点赞和关注