如何快速提升画技？

多看，看古人看先贤。多练，练笔墨。多思，思为什么

多临摹、多写生！

01

增强构图意识，拒绝想到哪画到哪

构图的两大要点，一是秩序，二是趣味。

常见的秩序样式：

1. 排式构图

以最后这张作品为例看 秩序 。从前往后看，第一排是水果，第二排是锅碗瓢盆，第三排是下面垫着的桌子，第四排是人物，第五排是背景墙。不仅如此，每一排的人或物（除了墙）都可分为三组，一一对应。

秩序这不就建立起来了么。光有秩序还不够，还要往里添加趣味。

趣味：又称变化、内容、对比衬托等等，也即“看点”。

以第一排水果为例，每组水果的种类、数量、颜色、繁简都各不相同。第二排的锅碗同理。第三排的桌子，在桌布上做出了区分，有上下叠压，有边缘变化的裁边；前后两块桌布还有繁简对比。第四排的人在发型、衣领、衣服颜色、面部朝向、五官表情等方面都各不相同。第五排墙纸上的花纹比较丰富，右边还开了一扇门，有一个穿到后面的空间。

这些变化说起来容易，画的时候，人的脑子是很容易松懈的，一不小心就随手而出。仔细观察画面，你不会找到任何简单的重复，正如大自然不会有两片一模一样的叶子。

变化做够了，还要回过头统领一下秩序：画面从前往后，对比强度和内容丰富度是逐渐减少的。桌布不能完全盖住桌子，下边缘需要重色平衡画面，避免头重脚轻，同时与后排的深色呼应。墙不能完全封死，开门加光源使得空间丰富延展，同时与前排的浅色呼应。

秩序—加变化—使画面和谐。这就是构图主要的作用。

至于秩序到什么程度、变化到什么程度，以天平为例，一克黄金和一克棉花达成的平衡，与一斤铁和一斤木屑达成的 平衡，效果定然是不一样的。要达成怎样的平衡，就是构图时要考虑的重中之重。

（后面的构图不再分析，以此类推即可，不理解亦可在评论区探讨）

2. L式构图

3. 对称构图

4. 随便你取什么名构图

你可能觉得它对称，但又不完全对称。你可能觉得它排式，但又没完全排式。

你还可以自己给构图取个好记的名字，墙-门构图什么的。

你可以通过学习，给你的L、S、对称里加各种各样的内容，一种构图套一种构图，或者做一些复杂的融合人；也可以通过广泛地看画册，分析大师们的构图逻辑，自己总结新规律，运用到自己的创作中。

构图没有那么复杂，也没有什么限制，切莫被一些花里胡哨的“法则”“专业名词”给唬到——建立秩序，注入灵魂（趣味和变化），调整画面使和谐，一张画就能立得住。

02

大胆夸张，打破常规思维

以人物画为例，你是否想过，人的皮肤除了用肉色，还可以是红橙黄绿青蓝紫？不敢画？参考着大师你总敢画了吧！

以第二张自行构图，套用大师的用色逻辑。

大面积蓝黑——昏暗的环境；红色——特殊光照看不到肤色，即亮面；黄色——受环境光影响的肤色，即灰面；蓝色——红光照射下的暗面，暗面中映着环境光。

这里举的例子是玛琳杜马斯的作品，也是我个人突破瓶颈时参考最多的画家。大家也可自行寻找有强烈共鸣的画家。

03

增加阅历

通过看电影、玩音乐、逛展子等活动，放松心情的同时开发自己的感官和情感，增加阅历。

尝试主观表达，拒绝单一形式的具象描绘。

毕加索有句广为流传的名言——我一生都在学习像孩子一样画画，其实就是在追求主观观察代替客观观察。孩子的世界单纯而主观，这种纯粹的视觉体验恰恰是成年人的世界所缺乏的。

如何理解毕加索的作画逻辑，你或许可以看一下昆汀的这部电影《低俗小说》，辅助理解。

我们看一本故事书，几乎所有的故事都是开头—发展—高潮—结果，这样的逻辑是人为加工梳理过的，并非我们现实生活本身的逻辑。

你可能通过这篇文章，第一次知道了狸大叔，然后你翻阅我的主页，追溯我过去的时间；你也可能点了关注，然后继续关注我以后的故事；有一天，你或许会不看头条，我们的联系又戛然而止。

现实的故事往往没有什么逻辑，也不非总是有始有终，这就是《低俗小说》看似混乱的时间线所阐述的观点。

当这个观点投射到绘画上，你可能就理解了毕加索“东拼西凑”的抽象画——模特可能正在睡觉，半梦半醒间转头、搭手、抬脚，这些不同的动作都是她，都是我理解的她。

这时的“她”不再是一个完整的“人”，而是一个活生生的，在时间流淌中酣睡的女人。

这是电影艺术带给我们的启发。同理，音乐、舞蹈、文学都会对我们的绘画语言产生影响。

另一方面，这些优秀作品所包含的世间万象，譬如战争、苦难、爱情、自然等主题，或许是我们普通人一辈子也无法全部体验的。

但是文学、艺术，可以让我们切身体会，沉浸其中，补充我们的认知。

广泛接触，选择性吸收，勤加思考，方能进益。

04

多接触自然，寻找灵感和启发。

与第三条基本同理。

通过文学、艺术作品认识世界，实际上是透过他人的眼睛认识世界。

而自己到人群中、到天地间的体验，是任何形式的学习都无法代替的，适独属于自己的直观视角。

05

补充理论知识，拒绝闭门造车

美术史——前人留下的好东西都被沉淀下来了，前人踩过的坑都给你标注好了。eg：《中国美术史》《西方美术史》《图画史》《艺术的故事》《现代艺术150年》。

构图书——好用的就用，但不要奉为圣经作茧自缚。eg：曹昌武的《构图学》，《造形与形态》《黑白画理》。

以及——遇到看不懂的画/画家，记得问老师，或者找相关的论文/画评。

06

一个奇怪的案例分享

传说有一男生在美院学习，每日勤勤恳恳地画画，头发披肩都懒得出门剪。然而他的绘画作品一直中规中矩，怎么都无法突破。

有位教导他的老师很铁不成钢，气愤地训他：“你们真是我见过最勤奋也最没才气的一届学生！你每天窝在这里学有什么用？死气沉沉的！”

这位同学仿佛醍醐灌顶，隔日就去剃了头、染了红毛打了耳钉，穿搭风格也逐渐古怪，走在路上回头率飙升。

说来也怪，从此他的画面一天天生动了起来，表现力和画面张力显著提高。

说这个例子，不是为了鼓励大家都去玩些古怪花样，而是要强调心理暗示的作用。

这个男生，或许觉得自己主观驱动不足，所以需要通过改变自己的外观，由外而内地影响自己的状态，同时通过周边环境的反应加强对自己的积极暗示。

当我们的内心足够坚强，或许也不必弄得这么轰轰烈烈。

遇到瓶颈的时候，不要暗示自己“我的能力就到这了”，要尽力寻找突破瓶颈的方法；

被老师批评“你也就这点水平了”，不要把这种话当回事，年轻人的日子这么长，远不到盖棺定论的时候；

被老师夸奖“你很擅长这种厚重浓郁的风格”，不要沉溺在自己的舒适区，清亮明丽的风格也完全可以尝试。

很多事情、很多话语，如果都信以为真，很容易就把自己的可能性框死了。保持敏锐，相信自己的无限可能，就是走好绘画这条路的最大保障。

如果还在往着“画得像”努力的阶段，那么有一个经常被其他老师忽略的重点，这个重点叫做“观察”。

而这个重点中的重点，是要避免带有理解的观察。举个例子，当你看到一罐可乐摆在桌上，不画画的人看到的，是红色的铝合金可乐罐和它的影子，以及桌面的黄色木纹，而画画的人看到的，是多个大小不同的圆柱体组合，以及各种不同明暗、颜色的色块。

就像不论多美丽的身体，在外科医生的眼中都会被自动分解为脂肪肌肉骨骼血管，画画的人也要关闭大脑对所见事物的理解和认识，将他们简化为点、线、面、明暗、色彩。这与我们往常对绘画的理解正好相反，看似是一个“退化”的过程，但当你能娴熟掌握这种能力以后，你就会发现这其实才是真正的进化，这种能力让你可以从这个世界最基本的构成中，去发现美的存在。

如果上面我说的仍然理解不了，那么，你可以去找一幅人像速写作品，尝试临摹一下。觉得自己临摹得不像？没关系，把这副画倒过来，临摹这幅倒着的画，你一定会有惊人的发现！

配图是我上了一个月素描培训的作品，画得不怎么样，但是我觉得我的领悟是宝贵的，不信你试试？

人体结构还没摸清的话建议先学速写。什么事情都要从基础来，一步步的踏实走，才能打下坚实的基础。画画也一样，还是要先把素描、色彩、速写先练好，再多临摹一些动漫作品，从临摹中掌握一些绘画表达方式、绘画风格和配色等，这样画漫画应该问题就不大了。打好基础，才能更上一层楼！加油！！

如果还在往着“画得像”努力的阶段，那么有一个经常被其他老师忽略的重点，这个重点叫做“观察”。

而这个重点中的重点，是要避免带有理解的观察。举个例子，当你看到一罐可乐摆在桌上，不画画的人看到的，是红色的铝合金可乐罐和它的影子，以及桌面的黄色木纹，而画画的人看到的，是多个大小不同的圆柱体组合，以及各种不同明暗、颜色的色块。

就像不论多美丽的身体，在外科医生的眼中都会被自动分解为脂肪肌肉骨骼血管，画画的人也要关闭大脑对所见事物的理解和认识，将他们简化为点、线、面、明暗、色彩。这与我们往常对绘画的理解正好相反，看似是一个“退化”的过程，但当你能娴熟掌握这种能力以后，你就会发现这其实才是真正的进化，这种能力让你可以从这个世界最基本的构成中，去发现美的存在。

如果上面我说的仍然理解不了，那么，你可以去找一幅人像速写作品，尝试临摹一下。觉得自己临摹得不像？没关系，把这副画倒过来，临摹这幅倒着的画，你一定会有惊人的发现！

配图是我上了一个月素描培训的作品，画得不怎么样，但是我觉得我的领悟是宝贵的，不信你试试？

艺术修养水平与画技成正比、艺术修养不够画技再高也是匠人一个。

勤学苦练，多看多画。

到实际生活的自然的大地上，在能画出精彩之幅。

掌握技巧手法，多看多练，多读理论方面的知识结合技巧和同行多交流。

我的学生们总是会到最后离开画室时，发出同样的感慨：

自己这么长时间以来悟出的珍宝，仔细回想原来老师在刚开始入门就讲过了，只不过当时自己忽略了，绕了一圈才发现真理曾经就在自己的身边；

题主，大道至简，我送你的第一个方法很简单：

反复揣摩老师的教的东西，没弄明白就一直沟通下去，直到彻底弄明白为止；

如果是在好的画室，有好的老师，你还画不好，专业理解上还是一头雾水，那么肯定是学生和老师之间的沟通没有做到位，

一方面，老师很忙，学生太多了很容易顾不上来，另一方面，画室里画得好但讲不好的老师有很多，有些道理他说不明白，知识的传递就成了阻碍，你就得跟他反复去沟通弄懂；

因此，

不要被动学习，自己坐着等老师来给你解决一切问题；

不要似懂非懂，明明没搞清楚还不好意思去问老师；

更不要不懂装懂，明明不懂还有骗自己以为自己懂了；

努力主动地和老师建立起高效的沟通桥梁

这个方法是我认为学生最相见恨晚的方法；

我给你的第二个建议就是学会观察

在绘画的时候观察方法和角度很重要，不同的观察方式就会造就出不同的画面，

同样是一副画，同样是一个老师教，同样学习的时间，画出来的画千差万变，

这里面很大一部分是观察方式的问题，

观察方式看起来是你观看画面的方式，其实指的是你描绘画面的方式；

听起来很绕，但其实很简单，

因为你是怎么看的，你就是怎么画的；

你只盯着对象哪里亮哪里暗，不去按照黑白灰细分层次地观察，

素描就会画得很差，

你只盯着物体的固有色，不去观察光源色邻近色，

色彩就会画的很呆板，

学会去按照造型理论观察作画对象是艺考高分的途径；

那么艺考之外呢？

看写实主义的画，观察角度就是面面俱到，以做到求真务实，

看印象派，则是在写实中抽离出来，对于真实感受的光产生的色彩变化的描绘，

用不同的观察视角而作的画面效果是不同的，

如果说你能找到属于自己的观察方式，

那样的进步效果是最大的；

我给你的第三个建议就是提升审美，多看好东西

审美会提升你的观察方式的标准，

多看大师的作品，大师的作品有很高的学习价值，

无论是人像人体，还是风景静物，

深入了解学习，收获会很大，

如果有机会可以多去看展，

看到自己喜欢的作品一定要细看，

抓住别人绘画里的细节，笔触，方法，也可以学习到很多东西，

实在是没有条件的话，

多关注一些艺术类博主，这些博主会定期发很多好作品，

养成看到喜欢的作品就收集进相册的好习惯，

多看多温习，审美是潜移默化地改善；

在这基础之上，我给你的第四个建议就是敢画

要敢画，不要怕画坏画不能缩头缩脑放不开，不然就不会有进步和突破，

给自己有意识地去来几张“敢画模式”，

把平时考试或者画作品顾忌的地方全部在这个模式下挑战一遍，

不要怕画错花丑，画错画丑了也没关系，

这样困难于你就不会是未知，而是已知，

当你迈出了风险的第一步，你就不会害怕继续走下去，

哪怕你当下仍然画不好，但你离画好就只是时间问题了。

总结：有哪些相见恨晚的提升画技方法：

1.善于向老师沟通；

2.调整自己的观察方式；

3.提升自己的审美；

4.抽时间来解决自己顾忌害怕的画面问题，去专门突破；

这些东西看起来都是很朴素的道理，可是这么些年老师我来来回回尝试追逐，提升效果最大的往往不是那些旁门左道，反而就是这样的学生听腻的“废话”。

以上。

熟能生巧，勤能补拙。

这个应该靠天赋

画形状，尝试绘制五种基本形状..· 五种基本形状是 - 球形，金字塔形，矩形，圆柱形和圆锥形。所有图纸都来自这五种基本形状· 绘制不同大小，比例和角度的形状·练习形状的阴影，从不同的方向照亮它们。这样可以训练你在轨道上找到更复杂的形状，不要对它感到不耐烦· 使用不同的绘图工具; 不同厚度的铅笔，钢笔，记号笔，彩色铅笔，木炭等。这将帮助您了解不同的介质。

传统绘画艺术强调用笔用墨，要有一定的基本功，提升画技首先在线条上下功夫，用笔讲究一波三折，力透纸背，平时可以临习古代名画。

要多看多练多画，然后慢慢的提升审美

对于喜欢画画和专修美术的人来说，提高画技是整个职业生涯中最不可缺的一项，勤学苦练自然是保证画功的基础，但是有一个好的方法必然可以达到事半功倍的效果，有什么提高画技的方法能让自己的画技更胜一筹呢？

　　有一招能极大缩短练习时间的方法——挑战高难度模式！有什么相见恨晚的提高画技的方法，我个人认为挑战高难度的训练会很好的锻炼自己的画技，如果你的计划是“我每天照书临摹一下人体就好”，把它改成“我要在一个月内画出一篇短篇漫画”，由于“画漫画”远远比临摹要hard模式，你在绘制漫画的过程中被逼无奈要去画许多自己不会画的东西，从而逼迫大脑短时间处理大量新的经验技能，你每天画得越痛苦，你的大脑得到的锻炼就越多。临摹是一种学习的途径，万事都由临摹作为基础，它的存在类似于学做新菜时的菜谱、解题时的标准答案、写论文时的参考文献、时尚杂志里的搭配指南。总之，它的作用在于“提示”，而并非模板。决定你临摹效果的，归根结底是“思考”。

　　临摹必须是带着脑子在画的，带着自己的思维画，把自己代入，想象是自己在创作这张画，甚至起稿也要按照创作的思路来，按照思维顺序来。很多人一临摹就会从局部开始，这里的局部不是说像业余人士画超写实那种打印机推移式的局部，而是草稿阶段就把人家最后加上的细节都起上轮廓了，这样思路还是僵硬的，你没有学来人家的画面布局和设计，因为这些东西都是在确定整体之后一点点改变调整出来的。你看一张画的时候没办法看到别人作画的过程，那你就必须要自己去寻找这个过程，这就是动脑子的临摹。还有一点：一定是从这张画里能学到东西才临摹。我知道你们不会临摹比自己差的画，但是自己暂时还只能死画get不到要点的图最好多看多想，别花大把时间去临，因为脑子跟不上，手画了也没用。

　　画画就是跟盖房一样，根基不牢固，后面随时可能坍塌，有什么提高画技的方法，最关键的还是要有耐心，多动脑子，多看书多看画，多跟大师相处。

首先心态上要像专业画师一样:

①:看到自己完成后24小时的原稿会说:“太丑了!”非常嫌弃。

②:所有格子里的背景都画得很满，原稿很难读。画完后才意识到应该减少背景。

③:格子中很多构图看上去都很有立体感。

④:每次都会在原稿中进行各种新的尝试。

⑤:始终觉得“自己画得太丑了!”就算成为职业漫画家后也依然如此。

⑥:等待时间画的草稿与原本的画风不同。或许更写实，或许更像单幅作品。

2其次多学多练~多学习一些教程是对绘画提升很快的哦

每天横竖各一篇，感觉会很舒畅

熟能生巧，勤能补拙。

到老鹰画室找名师，勤学苦练画技差不了

具体问题具体分析

那要看你哪方面的技术不好

比如说就是人的骨骼啊之类的，有毛病的话，那么建议从最根本的话模型开始画模型，说白了就是让人体骨骼更加科学，呃，也没有必要醉宿的一件事就是当你扭过头你的你的腿是别着的，就让人感觉很烦躁，丁文化，然后这是对于化结构有问题的

再比如说就是人物的造型有问题，那么建议买几本，这方面专业的书看看之后会对你的这方面会大的有帮助，让你的人物造型更加丰满，更能体现人物心中的形象或者氛围啊之类的

再比如说就是不会配色，不会配色的话就从最简单的，彩虹配色一步步感受一步步搭配，好好学习一遍，哪种颜色是对比色

再比如说背景不好的呀，可以专门抽空找时间练习一下，风景，然后风景画可以用湿画法或者干画法，最后搭配这个人物的形象，气氛一下子就提升

然后对于怎样提个话题，最重要的是对症下药哪部分差这从哪部分开始，长此以往，你一定会大大提高的，或者说整体提高的话，可以多看一些大师的名作呀，提高自己的审美或者观念之类的，相信都会对你有些帮助的

告诉你，不存在的。需要多加练习，尽可能快一点点点点提高你的画技。

1、多看：多看美术书（素描、水粉、速写，最好以老师推荐的书为主）。

2、多听多记：老师在讲画时，要多听多记多想。

3、多模仿：多模仿书籍好的技巧和画的风格。

4、多写生：丢开美术书后，就要多实物写生了，这样才能够把看到的好的东西用到自己的画中。

5、多默画：在后期就应该无实物写生了，这样有利于应对后面的美术高考。

首先，提升绘画水平的好办法就是写生，通过观察可以获得更多生动的形象和色彩的信息，其次，学习别人，前人的优秀作品也是提升自己的好方法包括临摹。

这还真没啥办法，只能慢慢练，送你两个线稿练练。

我都不是画画的专项。

多看画的好的话先去临摹找感觉然后再画出自己的风格

有，再买500斤纸来，画完就可以了。

多看画提高审美这种被说烂了的我就不说了，说几点自己的一些心得感受吧：

1.对于初学者来说，最好的方式其实是长久稳定输出，而不是张张追求完美。

初学者常常会犯这么一个错误，那就是每张作品都想画到完美画到极致，然而一张画其实是没有极致的，永远都有可以优化的地方，更何况是在你基础还不怎么行的情况下。

这就导致很多人一开始的时候觉得自己画得还可以，很不错，虽然画得慢了些，等后来画多了，审美提高了，渐渐地就发现自己的问题特别多，而且好像越来越多，也就是学画画经常会遇到的瓶颈期，手头功夫却一时还跟不上来，很多人这个时候反反复复地修改却怎也改不好，挫败感特别强，越是追求完美越是难受。

如果这个时候身边没人引导的话，很容易就热情大受打击，从此放弃或者一蹶不振……但是如果你一开始就采用更科学的学习方法，每张作品画到完整而不是完美，追求长久稳定的输出，总结记录自己的每张画中的问题，再进行针对性的强化练习，这种情况就会少很多。

与此相反的是，我觉得已经入门很多年的老手反而应该追求张张完美，把每次创作的机会当成是挑战新的东西，也许做到80%、90%就能满足工作需要了，但最好还是不要放过最后的那10%，虽然都是自虐，但这些付出都会有价值的。

2.绘画中每个知识点都建立在无数个更小的知识点上，所以拆解知识点降低难度和适时组合升级难度很重要。

如果你觉得当前的知识点太难，那就试着把它拆解一下，针对性的进行强化练习，如果你觉得现在的绘画太轻松了，进步幅度太平稳了，那你可以去试一下挑战更高难度的，比如说大透视，从主人公旁边的某一物品来观察主人公：

或者试着给画面加上一些故事性与戏剧性，甚至可以试着创作十几页的短篇漫画：

乌合麒麟的时政讽刺画，又有故事又有张力。

除此之外，平时没事也可以多看看文学作品，因为文字表达的画面是无限的，不固定的，不同年龄，不同心境下想到的画面都会不一样。

同样的文字描述，一千个人心中会有一千张画，有很多东西是文字无法描述的，同样的，也有很多东西是具象的画画表现不出来，只能意会的，去想象去捕捉文字里的画面，会让你的想象力和感受力更敏锐。

3.一张画，感性决定它的上限，理性决定它的下限。

对于刚入门的人来说，手头上的练习量比思考重要，因为这时候他还不知道什么是美什么是丑，还需要不断试错，但随着他创作经验和时间的不断累积，意识，思维，思考这些会慢慢取代手头功夫成为限制他进步的东西。

尤其是创作，其实很多时候原创画不好，发挥不稳定，不是因为自己审美不行，或者练得不够多，而是你没有仔细观察和思考，没有去捋清各种知识点之间的关系，只看到一张画很美很好看，却不知道它为什么美为什么好看，也没有去反思过自己这么画是不是错的，一直在遵循着以前低效的重复运动，自然很难进步。

一张好的作品里90%的东西，其实是可以通过理性的分析和记忆，以及经验的积累学会的，剩下的那10%，才是靠天赋和灵感，甚至可以说是学不来的。

当然我不是让你死记硬背，而是让你找出一堆知识点的背后本来就存在的联系，把它们串起来，搭建起一栋属于自己的知识体系大厦，只有在这个基础上，进行多种有针对性的练习，学习效率才会更高。

当然了，思考有效的前提，还是得脑子里先有货，至少得知道自己经常会画的物体在不同角度下的透视，结构，质感等等，以及它们之间的联系，只有基础扎实了，量变才会引发质的巨变。

4.关于创作的同质化和舒适圈：

其实现在因为网络媒体的高度发达，大家接收信息的来源都差不多，画者们为了恰饭也很容易什么流行就画什么，导致同一水平下创作出来的作品也很容易同质化，区别更多的只是题材和内容的不同而已。

我觉得要想打破这种桎梏，很重要的一点是要对创作的内容有发自内心的兴趣，你画的最好是你自己感兴趣的、喜欢的、想尝试想研究的，而不是一味迎合他人的作品。你喜欢的东西，你对它一定会有独特的与别人不一样的感受和理解，这样你才会有动力和能力去挖掘出一些与别人不一样的，真正属于自己的“点”。

画的时候也不用拘泥于什么，甚至不用拘泥于任何东西，想到什么就画什么，顺着思绪走下去，把它完整度画高再说。

画画学久了你就会发现，保持一种不固化不麻木的感觉很重要，突破舒适圈，尤其是跨领域的探索和尝试，才是形成个人风格和“保质”的最佳途径，可能这也是画匠与画家的区别之一吧。在我看来，没有什么比保持对绘画的feel和热情更重要的事情了。

最后，画无定法，画画可以说是最不受拘束的创作活动之一了，就好像基础理论这个东西，完全脱离它会画出一堆不受认可的“垃圾”，过度重视它又会被局限住思维与创新，说到底，其实绘画里没什么是绝对正确与错误的，适合自己的才是最好的，我说的这些，也不一定就适合你，希望能给你带来一些启发。

多看，看看别人是怎么画的，取长补短，多练，画多了熟能生巧，多看，出去看看外面的世界，看看山山水水，自然奇景，眼界开阔了对画工也是有帮助的。

临摹！

有质的量变才能达到真的质变！

一、先用软质的铅笔铺大关系，再用硬质的铅笔刻画细节

众所周知，铅笔铅芯的硬度标志，一般用“H”表示硬质铅笔，“B”表示软质铅笔，“HB”表示软硬适中的铅笔，“F”表示硬度在HB和H之间的铅笔。H前面的数字越大，表示它的铅芯越硬，颜色越淡。B前面的数字越大，表示铅芯越软，颜色越黑。

平时画素描时，尤其是长期素描的时候，不要只用一支笔来完成整幅画，要先用6B左右的软铅起稿，做出整体的素描大关系，再用3B左右深入刻画，最后用HB到3H进行细节的刻画。这么做的原因是因为软铅铺色调会更快捷，不容易把色调铺死，其次是不容易伤到纸。可是如果一直用软铅画，画面会腻，会闷，不利于深入的刻画。相对于软铅而言，硬铅不适合大面积铺色，而且还会破坏素描纸，影响之后的上色。

所以，在素描绘画过程中合理的运用铅笔，能让作品画面表现的淋漓尽致、黑白灰色调分明、细节层次丰富。

二、画反光时，要眯起眼睛去观察物体的反光

很多同学在画素描的时候，不知道物体的反光要画多强，很容易就把反光画的过亮，导致反光很跳，画面很花，不够整体。

当你把眼睛眯起来，整体观察对象的时候，你就会发现反光其实没你想象中的那么亮。因为有时你越盯着反光看，反光给你的感觉就会越亮。眯起眼睛观察对象就不会至于盯着看，会更容易观察整体。将反光和亮面、亮灰面、灰面进行对比，最终确定出反光在整个黑白灰关系下的明亮程度，营造出很透、很整的视觉效果。

说完了素描，我们再来聊聊色彩。最开始接触色彩的时候，很多人通常对色彩的观察还不敏感。这时题主可以通过观察一面白墙去训练色彩感觉，看从一面白墙上能观察到几种颜色。

那么有人会问，为什么要看白墙，而不去观察红墙、绿墙、蓝墙等等……那是因为我们在画色彩时，最需要观察到的色彩有：固有色、光源色和环境色。而色彩关系中最难观察的就是对光源色和环境色，如果物体的固有色过于显眼，那么物体上的光源色和环境色就不会很明显。而白墙受光源色和环境色的影响较大，更便于我们训练观察物体光源色与环境色的关系。

举个例子，很多艺术家在画白墙的时候不会拿白色画白墙，他们画的白墙都是有色彩倾向的，但是营造出来的画面感还是一面白墙。